dilluns, 23 de juny de 2014

Conversa amb l'artista Tomás Pariente



Hola amics!

Com us vaig prometre aquesta setmana tindriem una conversa, molt extensa amb un gran gravador, Tomás Pariente, artista compromès i s'expressa pel meu blog amb total llibertat. 
I això és d'admirar!

Segur que avui aprendreu moltes coses!






¿Cómo llegaste al mundo del Arte? ¿Qué te sedujo de él?

Dibujar me había gustado desde pequeño, pero creo que no de una manera extraordinaria. Al mundo del arte llegué de la mano de un profesor de dibujo técnico, una asignatura que antes era obligatoria a los 13 años, que cansado de suspenderme durante un par de años, decidió que como mal menor podría intentar despertar mi interés con el dibujo artístico. Recuerdo que me animaba mucho.

Lo que me sedujo del mundo del arte al principio fue su dimensión heroica, la figura del artista romántico contra el mundo, tanto si se trata de un artista que triunfa como uno que fracasa.




¿Fue  una elección por vocación o porqué querías dar tu discurso estético?

Por vocación, siempre se empieza por una afinidad creo. El discurso estético es posterior, al menos en lo que a mi respecta.


¿El Arte ha empezado a convertirse en una cosa inútil e innecesaria para los ciutadanos?

Esta es una pregunta compleja. Para muchos ciutadanos el arte es algo muy lejano, un referente con prestigio pero sin contenido concreto, al menos en lo que respecta a determinadas artes. Por ejemplo, si tomamos el arte visual e incluimos el cine, mucha gente tiene una cultura cinematográfica, pero sin llegar a los que entendemos por un cinéfilo. Si en cambio pensamos en la pintura, la fotografía o el video arte las posibilidades de encontrar un ciutadano interesado decrecen progresivamente. Entonces parecería que el arte es tal como planteas en tu pregunta, una cosa inútil e inecessaria para la gente; esto a juzgar por el grado de conocimiento que tienen de él.

Pero entonces habría que preguntarse si la política o las leyes son útiles o necesarias para los ciutadanos. Obviamente lo son, a pesar de que muchos ciutadanos no se interesen por ellas o las desconozcan. Con el Arte pasa algo similar, es importante aún cuando muchos ciutadanos lo ignoren. Añade a nuestra percepción matices, amplia la realidad dotándola de significados que van más allá de los hechos.

 Hay un poco en la cultura que proviene especifícamente de las diversas artes. En cierto modo el Arte amplia nuestras posibilidades con respecto a lo real, porque lo que entendemos por realidad es una contrucción de nuestra percepción, y lo que hacemos en el arte es crear nuevas percepciones de lo real: al re-presentarla la re-creamos.

Para mi el arte cumple una función social que tiene que ver con la educación estética tal como la entendió la ilustración entre el siglo XVIII y el XX, como un campo donde la imaginación se ejercita produciendo nuevos significados libres de intereses concretos, siempre en el terreno de lo simbólico, al menos esto sería lo deseable. Esto se produce - entre otras cosas- distinciones en la percepción cada vez más sutiles. La capacidad de establecer distinciones es algo  que está en las artes en dos niveles.
En uno se trata de carácter perceptivo, porque quien se ejercita en la música, por poner un ejemplo no visual, es cada vez más capaz de escuchar de manera más compleja y activa, llegando al extremo de oir una música sólo con leer una partitura. Esta capacidad produce un segundo nivel que tiene una traducción social, porque esa capacidad de producir distinciones es empleada de manera literal para producir distinciones de clase social.



Tu eres un grabador especialista en la madera, qué tiene esta técnica para que te guste tanto?

La madera se ha ido imponiendo como material por diversos motivos. Por un lado permite tamaños grandes sin que las planchas sean muy caras, es maleable y lo bastante blanda para cortarla y grabarla de manera muy directa; y por otro lado hay una tradición iconográfica en el grabado en madera que me interesó desde que empecé, sobretodo en el enfoque del expresionismo alemán de esta técnica, resaltando sus características físicas -la veta de la madera- como su valor expresivo.




 

















Viendo tus obras en taller parece ser de un gran trabajo manual y muy preciso, es así?

Dentro del arte se suele atribuir al grabado precisión, y esto es así hasta un cierto punto. En mi caso los formatos de la madera me permiten un cierto grado de imprecisión que podríamos decir que no es significativo. Es una cuestión de escala. Posiblemente los artistas más precisos en el grabado son los que trabajan formatos pequeños. En ese sentido se acercan a la precisión que históricamente se atribuye también a la joyería y a la realización de trabajos preciosos.

Y sí que hay un trabajo manual grande, aunque pienso que la cantidad de trabajo no tiene importancia, porque en cualquier caso logrado la cantidad de trabajo responde a la cantidad justa para conseguir lo que pretendes. Esto lo discutí una vez con un artista, Pablo Casado, que mantenía esta opinión, porque el trabajo tiende a ser visto como un valor en sí mismo, pero sólo es un valor positivo cuando ese trabajo se justifica en el resultado.


La mayoría de las tallas de madera tienen un texto poético y literario, cómo los escoges?

La introducción del texto en el arte contemporáneo es una tendencia que a veces parece aplastante. Se podría decir que ya no hay arte sin texto, entendiendo el texto como un contexto de razones que explican la artisticidad de la obra. Esta necesidad de texto he intentado transformarla en textualidad plástica y en una reflexión metalingüística sobre el arte como campo semántico, a la vez que una decisión desde la materialidad de la madera de cómo presentar eso.

Empecé imaginando grupos de palabras relacionadas, conceptos que combinados nutren los discursos sobre el arte contemporáneo, para concretar en temas más parciales, categorías estéticas concretas o sistemas de pensamiento que han tratado de explicar la significación del arte. 




 















Con la inmensa variedad de estos se te ve un gran literato

Bueno, digamos que tengo un interés muy concreto sobre en que se fundamenta el valor que el damos al arte.


¿Tienes algún artista predilecto que te haya inspirado a lo largo de tu carrera?

Muchos, pero no uno a lo largo de toda mi carrera. En un principio pintores como Van Gogh, Picasso, Modigliani, Beckhmann o Bacon.
Más tarde grabadores como Goya, Rembrandt y Durero, que son los 3 grandes clásicos, o Escher, Posadas, Kathe Kollwitz o Peeter Allik por citar 3 posteriores.

                                                          
                                                                   
  Gravat  Beckhmann
    



¿Por qué elegiste el paisaje industrial en decadencia y la iconografía Pop para tu segunda serie?

El paisaje en decadencia es posiblemente una mezcla de recuerdo de la infancia y de humanización del paisaje. Recuerdo de la infancia porque en esa época iba con mis amigos a jugar en fábricas en desuso. No estaban abandonadas del todo, tenían vigilantes y muchas veces teníamos que correr delante de ellos. Explorar las fábricas, las casas, los edificios a medias, los almacenes e incluso los cines abandonados era nuestra actividad preferida.

Humanización del paisaje porque en base a esos recuerdos añades una significación psicológica a las imágenes. En ese sentido la iconografía expresionista ha pesaso mucho en mi obra. Quizás más una intención expresionista.



L'aguatinta "Chacos"




 












 L'aiguatinta "Nada"
















 L'aiguatinta "Antes del fin"




















¿Qué tiene la Xilografía para que la utilices para hacer un crítica a la sociedad en que vivimos?

Tiene una fuerte tradición en ese sentido. Su aspecto material, su inmediatez y su rigidez se asocia a la honradez en determinados contextos. Tenemos al grabador mexicano Jose Guadalupe Posadas, que influyó notablemente en México en la revolución y dio lugar al movimiento de Gráfica popular, que tuvo sus ecos en toda Sudamerica asociado al comunismo sobretodo; y aquí en España durante el Franquismo propició un curioso eco: Estampa Popular.


Es curioso, desde mi punto de vista, porque en cierto modo es una continuación de la tradición del grabado de denuncia social que inició Goya con los desastres de la Guerra, pero muy constreñido por la brutalidad de la represión franquista. Efectivamente, en la dictadura hubo artistas que fueron a la cárcel y que eran grabadores, aunque obviamente fueron a la cárcel por ser comunistas. Esto ha sido prácticamente olvidado, aunque en el Reina Sofía hay una pequeña sala centrada en Estampa Popular.


Los desastres de la Guerra de Goya














                                                                              
                                                                         
        





















"Lo bueno de ser estúpido"



















El papel de ilustradores como Forges, Perich o el Roto han sido de gran importancia para ti? 

 Sí, porque antes de conocer esta tradición conocía el humorismo negro español, que en el fondo fue la verdadera gráfica popular, o su expresión más convincente. Mi padre tenía una antología de humor negro español con muchos de los dibujantes de la revista Hermano Lobo, Summers, Perich o el Roto cuando no era el Roto, entonces se llamaba Ops.

Estos artistas llegaron a realizar la intención de Estampa Popular sin  la intención intelectual del Equipo Crónica, que al final produce la distinción de clase que se deriba del arte que se declara como tal, y que propicia la absorción por el mercado del arte. Visto con perspectiva, para mi los artistas que lograron esta intención fueron sobretodo estos humoristas.




 Il.lustració de El Roto


















Il.lustració de Forges














En tu taller das Cursos Monográficos de grabado, qué aprenderán si viene alguno de mis lectores?

Me imagino que un curso de iniciación al grabado sería lo más adecuado, aunque tenemos monográficos de Litografía o de grabado en color.


¿Tienes mucha experiencia como profesor?

 Una moderada experiencia, cada año hago algún monográfico o colaboro con otros talleres en clases o talleres de grabado. También doy clases de dibujo y pintura. 


¿Qué dicen tus alumnos?

 Mis alumnos de grabado en general disfrutan mucho de la manualidad del grabado, porque vienen de un mundo donde la imagen se ha desmaterializado enormemente, así que, paradógicamente, los soportes físicos les fascinan, les parecen novedosos.
Imagínate: Una matriz que no es virtual!!! 


Las redes sociales e Internet te han ayudado a darte a conocer?

Sí, mucho, y relacionarme con artistas de todo el mundo, sobretodo del mundo hispano y portugués, y en especial en el ámbito del grabado. Pero más allá de eso he participado en procesos de creación colectivos que internet ha facilitado mucho y que salen del mundo del grabado. 

Además tengo lo que se llama una identidad digintal; es decir una web personal: www.tomaspariente.net.

Un blog: grabadoliquido.blospot.com, donde sobretodo escribo sobre grabado; exposiciones de grabado y teoría del arte en su relación con la gráfica y participo en algunas redes sociales más populares y de otras más específicas del arte.


Ja ho veieu, un home polifacètic, super culte, que observa la societat actual per plasmar-ho a la seva obra i reinvidicar l'important paper que pot fer l'Art.
Un artista amb majúscules.












































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